The Dominoes Are Falling
Marco Antonio Rodriguez's Domino Effect asks,
Will We Listen?
by Montserrat Mendez
04/09/2025
Domino Effect
The People's Theatre,
Boundless Theatre Company.
LatinX Playwrights Circle
By Marco Antonio Rodriguez
Directed by Mino Lora.
With Willie The Genius, Shadi Ghaheri, Tony Macy-Perez, Angela Reynoso
Running time: 90 mins.
No intermission.
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I will be honest. I have not been well. I could say it’s my tinnitus, because that’s true, because the ringing has been relentless, like a factory whistle shrieking through the ruins of some collapsed industry in my head.
But it’s more than that. It’s a malaise, a shadowy, shivering depression that settled over me in the middle of March, the way sickness does, creeping in at the edges until you wake one morning and realize it has occupied you completely.
It began when my mother came home from the store. Two young men she talked to nearly every day, "gone", she cried. The ones who always helped her. Immigrants, from Mexico. She loved them. She loved the way they laughed with her, answered her questions, spoke to her in Spanish. And now... vanished. Without explanation, without farewell, as if the world had swallowed them whole.
And something in me, shattered. A soundless, bottomless breaking. My tinnitus surged, became an unbearable static. I stopped sleeping. Or I slept but not really, the kind of restless limbo that makes the hours shapeless, the days ghostlike. I move through them, a zombie, weighted down by something I can’t name, something heavy, something vast.
I can’t recognize who we are anymore.
I’ve been reading the Latino Playwrights of the Revolution, trying to tether myself to voices that remember, that resist. History is a ledger of absences, a graveyard of disappearances. And yet, we endure.
Luis Valdez, farmworker’s hands, poet’s fire, forging Zoot Suit from the embers of torched Pachuco ties. Miguel Piñero, Rikers Island street-saint, bleeding his needle-scarred dreams into Short Eyes, so raw it left velvet-lined theaters trembling. María Irene Fornés, the quiet storm, stitching rebellion into the seams of Fefu and Her Friends. They didn’t just write. They incited.
Valdez’s actos, grenades wrapped in laughter. Piñero carved the Nuyorican struggle into American theater, ink that refused to fade. Fornés spun silence into subversion. They weren’t prophets; they were kin.
Their scripts were manifestos. Their stages, battlegrounds. And when the curtain fell, the world outside never looked the same. Or so I like to believe.
But the truth? They would not recognize this America. Even as they wrote against their injustices, they carried the fragile hope that America, at its best, might one day keep its promises.
And now, enter Domino Effect, Marco Antonio Rodriguez’s stunningly beautiful, urgent play, developed by The People’s Theatre. Rooted in Washington Heights and Inwood, The People’s Theatre does not merely stage work. It builds a stage for immigrant voices to demand justice, for communities from everywhere to see themselves not as spectators, but as the playwrights of their own futures. This is where the seeds of Marco's play were planted.
Marco is that rare playwright: fiercely singular yet profoundly generous, attuned to the precise frequency of this moment, his pen sharpened to meet its urgency. Domino Effect is not just a play, it is a call to arms. A reminder that now, more than ever, playwrights must write as if their lives depend on it. Because they do. Marco, with the soul of a poet, has crafted something both lyrical and shattering, a poem and a primal scream for the America that could be, should be, must be.
In a way, Domino Effect is a play that could only be written about America.
Our America!
The one built on the promise that dreamers of all generations, from all walks of life, could come together and forge something new. This was the grand idea: a country for those who had nowhere else to go, a refuge for the persecuted, the displaced, the desperate. And yes, there is darkness: colonization, violence, the blood-soaked bargains of history. But the American promise has always existed alongside its contradictions, stitched together by compromise, frayed but never entirely torn.
Never, though, have the compromises felt so near to collapse. Never has the promise itself seemed so fragile. Domino Effect arrives to remind us of that.
On a warm afternoon in a park in Washington Heights, Mandi, played with warmth and precision by Tony Macy-Perez, sets his domino table with ritualistic care. Across the park, on an ingeniously fluid set designed by Regina Garcia, three others gather: Gisel, played with quiet intensity by Angela Reynoso; Atash, embodied with aching vulnerability by Shadi Ghaheri; and Pepper, the electric Willie The Genius. They have come for a different ritual, one of transformation, of farewell.
Pepper is saying goodbye to her masculine energy as she prepares to transition.
Mandi belongs to an older generation, one that resists the younger generation’s need for ceremony, for public expressions of interiority. He is a man who builds walls around himself. Behind them lie the secrets of his time, stacked and silent. He knows, in ways both spoken and silent, the price of survival in America. And on this afternoon, at this table, with these players, the past and the future sit across from one another, waiting for the first domino to fall.
Right from the start, the ritual falters. Something is missing. Some of them believe it cannot happen without Black Jesus, an anchor, a presence, an absence that has loomed for weeks. He was there, once. And then he wasn’t. And without him, they are unmoored, left grasping for the shape of something sacred, something whole.
And then there is Mandi, watchful, unimpressed, an immovable object in the face of whatever strange alchemy they intend to perform. He does not understand them. He does not care to. But Gisel, sensing the widening rift, finds a bridge!
A game of dominoes. And within the game, a metaphor: generations falling, facades collapsing, prejudices toppling, one tile after another, the weight of history knocking against the present until something gives way.
And so, they begin. Secrets unspool. Wounds, long hidden, split open. Sacrifices unspoken, unacknowledged are finally shared. And through it all, cultures merge, clash, entwine. It is beautiful, but it is not easy. It overwhelms. It demands something from the soul.
And then Atash speaks of where she is from. She is luminous, devastating, and conjures a life in Iran, a world so rich, so full of ritual, of music that does not merely soothe but heals, that for a moment, the weight of history itself seems unbearable. I have never longed so fiercely for peace; not in the abstract, not as policy or ideology, but as something tangible, something that might allow us, at last, to share in the extraordinary. To stand within a culture that sings its own survival, and to listen.
The entire cast is luminous, each performance a revelation, each actor a force unto themselves. Tony Macy-Perez, a grouch, yes, rough around the edges, but not simply for the sake of it. His Mandi is a man burdened by the sheer exhaustion of hiding. A life spent tucking pieces of himself away until there is barely anything left to hold onto. And Macy-Perez makes you feel every ounce of that weight, lets you hear the years in the gravel of his voice, the sharpness of his silences.
Angela Reynoso, plays Gisel, who is Gen Z from Dominican Republic, in its most solemn form, a generation pressed too soon into the role of caretakers, burdened with a world that is already broken and asked, no, expected to fix it. Being young, here, is not freedom, it is responsibility, and Reynoso carries the weight of Gisel, both personal and generational with a powerful and quiet ferocity.
Shadi Ghaheri, gift us with the role of Atash, a role so rare, so utterly new, that when she speaks, you do not want her to stop. We need more stories like hers, more stories of Iran, more light cast into the places we are told to see only darkness. She is, in a sense, a new kind of flower child; naïve, yes, but open, unafraid to embrace enthusiasm in a way that feels almost radical. In another time, she might have been seen as a saint. And Marco, takes that openness, that guileless wonder, and turns it into one of the night’s most stunning revelations.
And then there's, Willie The Genius. Who is, indeed, genius. Stunningly, effortlessly, unstoppably genius. Pepper does not merely take the stage; they set it ablaze, goes supernova before our eyes. There is no doubt!
None!
That one day they will rule our cosmos, in every medium, on every platform. May I live to see the America that lifts them as high as they deserve to rise.
All of these people! these aching, luminous souls are drawn together with precision and breathtaking grace by director Mino Lora. She gives the play not just movement but momentum, allowing the story to unfurl with an unforced elegance, every character given their due, every moment landing like a note in a masterfully composed symphony. There is something almost cinematic in her approach, Bergman-like in the way she carves the space, ensuring that every inch of the stage pulses with life, that no audience member, no matter where they sit, misses a single revelation. And I will be revisiting the play to see it from the other side.
She understands that the play breathes in a space both real and unreal, a Washington Heights that exists just slightly askew from the one outside the theater doors. And she wields Marco’s magic realism with a light but assured touch, never overplaying, never letting it become whimsy for whimsy’s sake. And then, then, she delivers one of my favorite moments, a coup de théâtre that feels like a marriage of the great magic realists of Latin America and the spectral lyricism of Iranian theatre master Akbar Radi. It is a dance between reality, dream, and delirium, a love letter to the mystical absurdity of existence itself.
The tech credits are impeccable across the board. Regina Garcia’s set already mentioned but deserving of repetition is a work of absolute artistry, a space both grounded and ethereal. Mextly Couzin’s lighting bathes it in warmth and wonder, lending the air a sense of quiet magic. And then there’s German Martinez’s sound design, precise and unerring, culminating in a final soundscape that doesn’t just pull us back to reality, it crashes us into it. I gasped. Truly gasped. It was like being jolted awake from a dream of possibilities, the kind you don’t want to end.
And that, I think, is what Marco’s Domino Effect is, a wake-up call. Not just to the moment, but to the possibilities and responsibilities of theater right now. It demands dynamism. Urgency. A theater that is not afraid, that is as open to America’s promise as it is to its failures. A theater that, above all, is unflinching in its call to revolution.
There will be a future. The question is: What kind? Will Domino Effect be celebrated as the play that crystallized our different generation’s dreams, that held up a mirror to America and found, in its fractured reflection, a common culture? Or will it be a buried artifact, a perhaps illegal relic of the moment when the nation’s last dreams began to slip beneath the tide?
To say this is one of my favorite plays of the year, of the last five years, of my lifetime, would be an understatement. This is, simply put, the most necessary play I have seen in a very long time.
"Las Fichas Están Cayendo"
Domino Effect de Marco Antonio Rodríguez cuestiona:
¿Escucharemos?
Seré honesto. No he estado bien. Podría decir que es mi tinnitus, porque es cierto, porque el zumbido ha sido implacable, como el silbato de una fábrica atravesando las ruinas de una industria colapsada dentro de mi cabeza.
Pero es más que eso. Es un malestar, una depresión sombría y estremecedora que se posó sobre mí a mediados de marzo, como lo hace la enfermedad, filtrándose por los bordes hasta que un día despiertas y te das cuenta de que te ha invadido por completo.
Comenzó cuando mi madre llegó a casa de la tienda. Dos jóvenes con los que hablaba casi todos los días, "desaparecidos", lloró. Los que siempre la ayudaban. Inmigrantes, de México. Ella los quería. Amaba cómo se reían con ella, respondían sus preguntas, le hablaban en español. Y ahora... desaparecidos. Sin explicación, sin despedida, como si el mundo se los hubiera tragado enteros.
Y algo dentro de mí se quebró. Una ruptura silenciosa, sin fondo. Mi tinnitus se intensificó, se convirtió en un estático insoportable. Dejé de dormir. O dormía, pero no realmente, en ese limbo inquieto que hace que las horas carezcan de forma, que los días sean fantasmas. Avanzo a través de ellos como un zombi, aplastado por algo que no puedo nombrar, algo pesado, algo vasto.
Ya no reconozco quiénes somos.
He estado leyendo a los Dramaturgos Latinos de la Revolución, intentando anclarme a algo, a voces que recuerdan, voces que resisten. Tratando de recordarme que la historia está llena de ausencias, de desapariciones. Y sin embargo, de alguna manera, perduramos.
Los dramaturgos latinos de la era de los derechos civiles, alquimistas del dolor, transformando la opresión en oro teatral. Luis Valdez, manos de campesino, fuego de poeta, forjó Zoot Suit de las brasas de los lazos Pachucos quemados, su motín mítico crepitando como un Aristófanes renacido en el polvo de Delano. Miguel Piñero, santo callejero de Rikers Island, plasmó sus sueños marcados por agujas en Short Eyes, una obra tan cruda que dejó a los teatros de terciopelo temblando, las rejas repentinamente visibles.
Y María Irene Fornés, la tormenta silenciosa, cosió rebelión en las costuras de Fefu y sus amigas, su vanguardia afilada como bisturí profundizando en la soledad femenina.
¡Ellos no solo escribieron! ¡Incitaron! Los actos de Valdez eran granadas envueltas en risas, lanzadas a terratenientes y legisladores. Piñero talló la lucha nuyorriqueña en la piel del teatro estadounidense, tinta que se negaba a desvanecerse. Fornés, la hechicera, hiló el silencio en subversión. No eran profetas, eran familia.
Valdez en los campos, Piñero en el neón turbio del East Village, Fornés en los lofts con poca luz donde la revolución susurraba antes de rugir. Sus guiones eran manifiestos, sus escenarios campos de batalla. Y cuando el telón caía, el mundo afuera nunca se veía igual. O al menos, así me gusta imaginarlo.
La verdad es que ellos no reconocerían esta América. Incluso mientras escribían contra sus injusticias, sus obras estaban impregnadas de la frágil esperanza de que América, en su mejor momento, algún día cumpliría sus promesas.
Y ahora, entra Domino Effect, la obra deslumbrantemente hermosa y urgente de Marco Antonio Rodríguez, desarrollada por The People’s Theatre. Con raíces en Washington Heights e Inwood, The People’s Theatre no solo monta obras: construye un escenario para que las voces inmigrantes exijan justicia, para que comunidades de todas partes se vean no como espectadores, sino como dramaturgos de sus propios futuros. Aquí es donde se plantaron las semillas de la obra de Marco.
Marco es ese dramaturgo raro: ferozmente singular pero profundamente generoso, sintonizado con la frecuencia precisa de este momento, su pluma afilada para enfrentar su urgencia. Domino Effect no es solo una obra, es un llamado a las armas. Un recordatorio de que ahora, más que nunca, los dramaturgos deben escribir como si sus vidas dependieran de ello. Porque así es. Marco, con alma de poeta, ha creado algo lírico y devastador, un poema y un grito primitivo por la América que podría ser, debería ser, debe ser.
En cierto modo, Domino Effect es una obra que solo podía escribirse sobre América.
¡Nuestra América!
Aquella construida sobre la promesa de que soñadores de todas las generaciones, de todos los orígenes, podrían unirse y forjar algo nuevo. Esta era la gran idea: un país para quienes no tenían a dónde más ir, un refugio para los perseguidos, los desplazados, los desesperados. Y sí, hay oscuridad: colonización, violencia, los pactos ensangrentados de la historia. Pero la promesa americana siempre ha existido junto a sus contradicciones, cosida por compromisos, desgastada pero nunca totalmente rota.
Sin embargo, nunca antes los compromisos habían parecido tan cerca del colapso. Nunca la promesa misma había parecido tan frágil. Domino Effect llega para recordárnoslo.
En una cálida tarde en un parque de Washington Heights, Mandi (interpretado con calidez y precisión por Tony Macy-Perez) dispone su mesa de dominó con cuidado ritualístico. Al otro lado del parque, en un escenario ingeniosamente fluido diseñado por Regina García, se reúnen tres más: Gisel (interpretada con intensidad silenciosa por Angela Reynoso), Atash (encarnada con una vulnerabilidad desgarradora por Shadi Ghaheri) y Pepper, el electrizante Willie The Genius. Han venido para un ritual distinto, uno de transformación, de despedida.
Pepper se despide de su energía masculina mientras se prepara para transicionar.
Mandi pertenece a una generación más antigua, una que resiste la necesidad de la generación más joven por la ceremonia, por las expresiones públicas de la interioridad. Es un hombre que construye muros a su alrededor. Detrás de ellos yacen los secretos de su tiempo, apilados y silenciosos. Conoce, de manera hablada y callada, el precio de la supervivencia en América. Y en esta tarde, en esta mesa, con estos jugadores, el pasado y el futuro se miran frente a frente, esperando a que caiga la primera ficha de dominó.
Desde el principio, el ritual vacila. Falta algo. Algunos creen que no puede suceder sin Black Jesus, un ancla, una presencia, una ausencia que ha pesado durante semanas. Él estuvo allí, alguna vez. Y luego no. Y sin él, están a la deriva, buscando a tientas la forma de algo sagrado, algo completo.
Y luego está Mandi, observador, impasible, un objeto inamovible frente a la extraña alquimia que intentan realizar. No los entiende. No le interesa hacerlo. Pero Gisel, sintiendo la grieta que se abre, encuentra un puente:
Un juego de dominó.
Y dentro del juego, una metáfora: generaciones cayendo, fachadas colapsando, prejuicios derrumbándose, una ficha tras otra, el peso de la historia golpeando el presente hasta que algo cede.
Y así, comienzan. Los secretos se desenredan. Heridas largamente ocultas se abren. Sacrificios no dichos, no reconocidos, por fin se comparten. Y a través de todo, las culturas se fusionan, chocan, se entrelazan. Es hermoso, pero no es fácil. Abruma. Exige algo del alma.
Y entonces Atash habla de su origen. Es luminosa, devastadora, y evoca una vida en Irán, un mundo tan rico, tan lleno de rituales, de música que no solo calma sino que cura, que por un momento, el peso de la historia misma parece insoportable. Nunca había anhelado la paz con tanta fuerza; no en lo abstracto, no como política o ideología, sino como algo tangible, algo que quizá nos permita, por fin, compartir lo extraordinario. Pararnos dentro de una cultura que canta su propia supervivencia, y escuchar.
Todo el elenco es luminoso, cada actuación una revelación, cada actor una fuerza en sí mismo. Tony Macy-Perez, un gruñón, sí, tosco, pero no por simple capricho. Su Mandi es un hombre cargado por el puro agotamiento de esconderse. Una vida guardando pedazos de sí mismo hasta que casi no queda nada a qué aferrarse. Y Macy-Perez te hace sentir cada gramo de ese peso, te deja escuchar los años en la grava de su voz, la nitidez de sus silencios.
Angela Reynoso, como Gisel, es la Generación Z de República Dominicana en su forma más solemne, una generación empujada demasiado pronto al papel de cuidadores, cargada con un mundo ya roto y a la que se le pide, no, se le exige, que lo repare. Ser joven aquí no es libertad, es responsabilidad, y Reynoso lleva el peso de Gisel, tanto personal como generacional, con una ferocidad poderosa y silenciosa.
Shadi Ghaheri nos regala el papel de Atash, un papel tan raro, tan completamente nuevo, que cuando habla, no quieres que se detenga. Necesitamos más historias como la suya, más historias de Irán, más luz arrojada sobre los lugares donde nos dicen que solo hay oscuridad. Ella es, en cierto sentido, una nueva clase de flower child; ingenua, sí, pero abierta, sin miedo a abrazar el entusiasmo de una manera que casi parece radical. En otra época, podría haber sido vista como una santa. Y Marco toma esa apertura, esa maravilla sin artificios, y la convierte en una de las revelaciones más impactantes de la noche.
Y luego está Willie The Genius. Que es, de hecho, un genio. Deslumbrante, sin esfuerzo, imparablemente genial. No solo toma el escenario; lo incendia, estalla en supernova ante nuestros ojos. ¡No hay duda!
¡Ninguna!
De que algún día gobernará nuestro cosmos, en cada medio, en cada plataforma. Ojalá viva para ver la América que lo eleve tan alto como merece.
¡Todas estas personas! Estas almas doloridas y luminosas son reunidas con precisión y una gracia impresionante por la directora Mino Lora. Ella le da a la obra no solo movimiento, sino impulso, permitiendo que la historia se despliegue con una elegancia natural, cada personaje recibiendo su momento, cada instante cayendo como una nota en una sinfonía magistralmente compuesta. Hay algo casi cinematográfico en su enfoque, bergmaniano en cómo talla el espacio, asegurando que cada centímetro del escenario palpite con vida, que ningún espectador, sin importar dónde se siente, se pierda una sola revelación. Y volveré a ver la obra para verla desde el otro lado.
Ella entiende que la obra respira en un espacio tanto real como irreal, un Washington Heights que existe ligeramente desplazado del que está afuera de las puertas del teatro. Y maneja el realismo mágico de Marco con un toque ligero pero seguro, sin exagerar, sin dejarlo convertirse en capricho por capricho. Y luego, luego, ofrece uno de mis momentos favoritos, un coup de théâtre que parece un matrimonio entre los grandes realistas mágicos de Latinoamérica y el lirismo espectral del artista iraní Akbar Radi. Es un baile entre realidad, sueño y delirio, una carta de amor al absurdo místico de la existencia misma.
Los créditos técnicos son impecables en todos los aspectos. El escenario de Regina García, ya mencionado, merece repetirse: es una obra de arte absoluta, un espacio tanto terrenal como etéreo. La iluminación de Mextly Couzin lo baña en calidez y asombro, dando al aire un sentido de magia silenciosa. Y luego está el diseño de sonido de German Martínez, preciso e infalible, culminando en un paisaje sonoro final que no solo nos devuelve a la realidad, sino que nos estrella contra ella. Jadeé. De verdad, jadeé. Fue como ser sacudido al despertar de un sueño de posibilidades, de esos que no quieres que terminen.
Y eso, creo, es Domino Effect de Marco: una llamada de atención. No solo al momento, sino a las posibilidades y responsabilidades del teatro ahora mismo. Exige dinamismo. Urgencia. Un teatro que no tenga miedo, que esté tan abierto a la promesa de América como a sus fracasos. Un teatro que, sobre todo, sea inquebrantable en su llamado a la revolución.
Habrá un futuro. La pregunta es: ¿Qué clase de futuro? ¿Será Domino Effect celebrada como la obra que cristalizó los sueños de nuestra generación diversa, que sostuvo un espejo frente a América y encontró, en su reflejo fracturado, una cultura común? ¿O será un artefacto enterrado, una reliquia quizá ilegal del momento en que los últimos sueños de la nación comenzaron a hundirse bajo la marea?
Decir que esta es una de mis obras favoritas del año, de los últimos cinco años, de mi vida, sería quedarse corto. Esto es, simplemente, la obra más necesaria que he visto en muchísimo tiempo.
